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PINTURAS Y DIBUJOS
Verónica Cárdenas
Noviembre 15 de 2018 a Enero 12 de 2019
Una casa es más que una casa: da cuenta de la manera como reafirmamos nuestra presencia en el mundo. La forma como la habitamos con objetos y con nuestra presencia, se convierte en una extensión de nosotros mismos.
Verónica Cárdenas no pinta casas ni jardines. Pinta su casa y su jardín, o mejor, pinta rincones de estos. Nos da pistas de su universo íntimo. La casa en la que habita despierta toda su atención e inspiración. Al ser la casa una obra de arte en sí misma, se ve atraída por cada detalle. Con frecuencia descubre nuevos ángulos, formas, perspectivas, colores y luces.
Su casa es objeto de creatividad y, al mismo tiempo, es el útero que la contiene, la protege y le da un lugar, uno que ella define como especial.
La atención de Verónica no está en la casa como un todo, sino en los detalles y pequeños espacios, los cuales pinta e interviene con sus objetos y su presencia, como diciéndose “este espacio es mío, aquí habito yo”. La artista nos ofrece lugares que parecen “neutros”, pero cuando estos se visitan y se contrastan con los retratos, se nota cómo los vuelve a habitar, pero desde el lienzo. Satura y enriquece los lugares con objetos, colores y perspectivas que en realidad no existen. Es un bello trabajo de interiores desde la pintura. De interiores físicos y psicológicos.
“Yo pinto lo que veo. Me pinto a mí misma porque es a quien mejor conozco. Pinto mi casa porque es el espacio que habito. Tengo la necesidad de representar lo que vivo. No me interesan las pretensiones ni los argumentos complejos sobre mi obra”. Ella pinta lo que vive, pero sus interpretaciones están lejos de ser sencillas, hay en ellas algo de misterio que nos hace preguntarnos, ¿cómo es en realidad el espacio que representa?; ¿por qué elige esos espacios y no otros?; ¿por qué sus autorretratos parecen testigos, cuidadores que todo lo observan?.
Maricela Vélez
Museóloga
CAJAS
Collage
35,7×45 cm.
2017
INVERNADERO AZUL
Lápiz de color sobre papel
42×49 cm
2016
INVERNADERO DE NOCHE
Pastel
85×70 cm
2014
ORQUIDEA CON FIGURA TALLADA Y REPISA
óleo sobre lienzo
70,5×50,8 cm.
2016
CASA TROPICAL
Óleo sobre lienzo
147×91 cm.
2015 | 2018
MATA
Lápiz de grafito sobre papel
60×45 cm
2014
JARDIN SALVAJE
Pastel
68×97,4 cm
2015
JARDIN CON MUJER
Óleo sobre lienzo
60×90 cm
2017
SUEÑO
Óleo sobre lienzo
55×50 cm
2017
PUNTO DE CRUZ
Mariana Valera
Octubre 20 a Noviembre 12 de 2018
EL PROYECTO
Utilizo las flores como elemento principal de representación; estas se relacionan con lo femenino, con la suavidad; lo cóncavo como receptáculo de la fertilidad. Específicamente la rosa se asocia con la sensualidad, el erotismo y como símbolo sexual, y la azucena como última ofrenda, o como símbolo de pureza.
Según Freud y Jung, “en las flores hay una explícita referencia a la anatomía y psicología del sexo, cuando se elaboran como símbolos sustitutos”, en este caso las rosas.
Sor Juana Inés también hace referencia a estas como “al colorido de la belleza femenina” en un fragmento de su poema más importante, Sueño:
…….cuando montes y selvas trastornando
Cuando parados y bosques inquiriendo,
Va si vida buscando
Y del dolor su vida iba perdiendo;
Quien de la breve flor aun no sabía
Porqué ebúrnea figura
Circunscribe su frágil hermosura…….
En búsqueda de la verdad y su sensualidad, sexualidad y espiritualidad panteísta, Clementina Suárez, poetiza hondureña, nos habla en Del sexo a la rosa, el erotismo en su poesía.
Sexo, encarnada rosa,
flor de lujuria
por donde salta mi juventud.
Ánfora llena
de sensaciones
y vibraciones.
Arpa que vibra,
que llora y gime
voluptuosidades
. . . .
Pero yo te bendigo
gruta maravillosa
porque la vida me diste
y porque en esa flor estropeada
una nueva vida
yo también di. . .
(Sexo)
En La María de Isaacs, la rosa y la azucena, son para él, símbolos eróticos.
Propongo “Punto de cruz”, como metáfora de vida y muerte, valor, resistencia y presencia.
Las rosas, por su estructura, hacen referencia a la anatomía sexual femenina, punto importante y frágil, en cuanto se convierte en blanco del ataque y agresión, tanto en la guerra como en la vida diaria, para debilitar y destruir la intimidad y si es posible, invisibilizar y silenciar.
El realismo en mis numerosas pinturas tiene una clara intención, y es la de lograr la inclusión femenina a partir de su individualidad, representada en cada fragmento de flor.
En el bordado es innegable su valor ornamental como labor hogareña; y es la base de construcción del relato en torno a lo que, como mujeres, en algunos casos, hemos vivido desde tiempos inmemoriales.
Los bordados sobre tela, destacan la paciente y amorosa labor que aun hoy en día, a pesar de la industrialización, realizan muchas mujeres en el mundo y para algunas de ellas, además de actividad económica, es un homenaje a sus familias.
Las variaciones de las imágenes de los bordados, “Mujer que llora” de Picasso, “Niña llorando” de Roy Lichtentein, “El ojo”, fragmento del Descendimiento de Roger Van Der Weyden, y en mis dibujos, “Leda y el Cisne” de Albert-Ernest Carrier-Belleuse, “Susana y los viejos” de Artemisia Gentileschi, “Atala” de Anne Louis Girodet, tomadas de la historia del arte, testimonian algunas de las condiciones de la vida femenina a través del tiempo.
Ligeras como la brisa
Trasegando por el mundo
Como nubes pasajeras en su alternancia
Cae la semilla en luna nueva
Y en el brote primaveral
Florece la vida
PINTURAS
IN MEMORIAM
(lirios blanco y negro)
1.50×1.50 o medidas variables
Óleo/tela
2014-2018
SILENCIO
(rosa rojas)
1.80×1.60 o dimensiones variables
Óleo/tela
2017-2018
DIBUJOS
Carboncillo | 29×42.2 cm sin enmarcar | 37×48.2 enmarcado | 2018
Carboncillo | 29×42.2 cm sin enmarcar | 37×48.2 enmarcado | 2018
Carboncillo | 27.5×27.5 cm sin enmarcar | 35.5×35.5 enmarcado | 2018
BORDADOS EN PUNTO DE CRUZ
EL BORDADO
El bordado es una de las actividades más antiguas y corrientes de la humanidad; se han encontrado vestigios de vestimentas bordadas desde los inicios del Paleolítico Superior, pertenecientes a los hombres Cromagnon o el Homo sapiens, 30.000 años a C. Las pieles de animales que les servían de vestimenta durante los inviernos, eran unidas con las fibras vegetales que las mujeres hilaban con sus manos, y poco a poco, el deseo de agregar belleza a estas labores, hizo que ella se sensibilizaran hacia los objetos que les rodeaban, entonces empezaron a agregar a estas uniones, a manera de adorno, las conchitas encontradas en las playas. Desde esos tiempos hasta nuestros días, esta actividad ha ido variando en estilos, formas y calidades y ha ido abarcando otros espacios de la vida en sociedad. Su valor cultural, es netamente femenino, exceptuando en ocasiones la fabricación inicial de los gobelinos por la fuerza requerida para ejecutarlos.
Explícitamente, el bordado de punto cruz, es una de las formas de labor más antiguas y comunes, generalmente realizado por mujeres y nace en el hogar. Aunque sencillo en su realización, es rico en figuras de la naturaleza y el medio circundante. Su práctica es cotidiana y lo pienso en el orden de lo ritual, ya que su elaboración sobre las prendas de vestir se asocia a un evento familiar importante o como forma de adecuada presentación-ajuares domésticos-bebés y novias, manteles, carpetas, cuadros, etc…
Estas imágenes bordadas, no son meras representaciones visuales, las considero como una actividad de la memoria; su paciente elaboración involucra momentos de meditación cargados de sentimientos, de emociones, de sueños, de sensación de bienestar o de malestar, o del dolor repentino y la herida que deja cuando se pincha la piel con la aguja en su proceso de costura.
Todas estas reflexiones entran al campo de la poética.
Mariana Varela
Bordado en punto de cruz con hilo negro | 27.5×33.3 cm | 2018
Bordado en punto de cruz con hilo negro | 38 x 43 cm | 2018
REPERTORIO BOTÁNICO
Luz Helena Caballero
Septiembre 15 a Octubre 13 de 2018
Repertorio Botánico | Acrílico sobre lienzo 80×60 cm c/u. | 2018
Epic Lava
Ernesto Soto
A primera vista un campo de golf parecería ser la encarnación de la felicidad: todo es perfecto, el pasto ha sido cortado milimétricamente a una altura adecuada, acentuando las ondulaciones del terreno, los límites han sido trazados siguiendo órdenes estrictas y hasta los árboles y sus sombras parecen ocupar un lugar preestablecido en esta estrategia de la domesticación. Las personas que juegan allí saben que existe el error o el acierto, pero nunca la muerte, porque esta también ha sido desterrada. Esta naturaleza ficticia también se encuentra en otros espacios como los estadios de fútbol, de béisbol, las canchas de tenis, los jardines, con lo cual tenemos una serie de territorios modificados, hechos para que nada altere esa sensación que quien esté allí se sienta brevemente inmortal.
De lo excesivamente domesticado como un campo de golf, de la dramática geometría de un campo de tenis, de la calculada relación de una pista de atletismo, Soto los pone en contacto con una fuerza invasora: la lava de los volcanes. De manera que nos encontramos con el cálculo frente a lo caótico, el orden frente a la violencia, la normatividad frente a lo imprevisible.
La presente exposición de Ernesto Soto busca acentuar el momento antes de la irrupción de esa materia incontenible en estos espacios domesticados, tal como se pueden apreciar en esas imágenes de la lava de los volcanes del Pacífico que poco a poco avanzan por las carreteras y los campos de golf, invadiendo esos lugares que el mundo civilizado ha ido conquistando en su afán de desterrar a la naturaleza de la propia naturaleza. O imponiéndole otra naturaleza. En el canal @epiclava, Soto encontró justamente lo que estaba buscando: el momento en el que el espacio artificial entra en contacto con la fuerza indómita. Las fronteras están a punto de unirse, pero todavía pervive antes de la catástrofe la sensación de que resulta imposible que nada malo pueda suceder, ya que la creación humana cree que es inalterable en virtud de su propia racionalización, tal como lo advierte Roland Barthes en su breve ensayo sobre Julio Verne, donde el filósofo y semiólogo francés se refiere al Nautilus como el prototipo del artefacto humano que, al ser un espacio cerrado, crea una especie barrera inexpugnable, y donde “el goce de su encierro alcanza su paroxismo cuando desde el seno de esa interioridad sin fisura, es posible ver por un gran vidrio el vacío de las aguas exteriores y, en un mismo gesto, definir el interior como lo contrario”. 1
Es ese momento escogido por Soto para ubicar sus cuadros, los cuales exaltan la propia anécdota y a su vez promueven una narración que se traduce en esa especie de división constante en los lienzos, donde lo doméstico se encuentra con lo indómito. Las tensiones de las fuerzas se traducen en la manera cómo emplea los colores creando a su vez un nuevo espacio de fisuras y fricciones, como si del choque de capas tectónicas se tratase.
De su anterior exposición, titulada Yare, Yare, Yare, (Galería 12:00. Agosto de 2017) donde el artista empezaba por un gesto repetitivo que daba paso al origen de una forma, ahora ha invertido esta fórmula, donde primero trabaja lo visible para dar paso a la abstracción. Justamente esas fronteras mencionadas sustentan esta nueva propuesta de Soto, quien se vale de una gama de colores heredera de los nabis y de los fauves, la cual aplica con meticulosidad, teniendo el control del cuadro, todo lo contrario de su anterior producción. Si antes iba del azar a la forma, ahora invierte los términos y va de la forma al azar, de manera que es más consciente del proceso de creación, es más reflexivo, además de conquistar lo corpóreo en su trabajo, lo que le permite ahondar en esta nueva etapa de su obra, donde los planos se superponen y crean un nuevo paisaje, exaltando la fractura de esas fuerzas que se encuentran.
Resulta interesante que el propio artista manifieste que para él ha sido más importante el estudio de la historia del arte que la propia carrera de artes plásticas. Como un acérrimo defensor de la pintura en una época en la que la constante es abogar por su fin o por su carencia de relevancia en el mundo en el que nos movemos, tal como se habló en su momento de la desaparición del libro como vehículo transmisor por excelencia, Soto toma partido por el formato clásico del lienzo, sin que por esto desconozca o le interesen otras manifestaciones. Prueba de ello son los “Pigmentos” que presenta, las cuales son como esponjas que exaltan su forma orgánica pero también le devuelve sus atributos a los colores puros, ya que han sido hechos con pigmentos que el artista ha ido coleccionando y que sus amigos le han ido proporcionando de sus viajes a la India, África o de la propia Colombia.
Pero volvamos a su afirmación expuesta al principio del párrafo anterior. Soto encontró en las obras ajenas soluciones y motivaciones a sus propias obras. Afirma que se siente un verdadero privilegiado al tener a su disposición toda la historia del arte como cargamento personal, como si fuera todo un campo de apropiación. No resulta extraño que en esa “hiperconciencia artística” Soto incorpore de una manera muy personal en su obra los ecos de Matisse, los silencios desolados de Hopper, la expansión corporal de Helen Frankenthaler, la sinuosidad amenazante de las sombras de Valloton, la polivalencia de Peter Doig, el perverso realismo de Hockney, sin que se adviertan a primera vista tales nombres. No son influencias sino apropiaciones. Algunos podrían llamar esta operación como un burdo eclecticismo. Otros lo llamarían personalidad artística, convicción personal, estrategias constructivas, etc. Lo interesante de esto, independientemente de los nombres o calificativos es la calidad de su trabajo que no le teme a la anécdota y que transita por la figuración y la abstracción sin que estas sean antagónicas sino felizmente complementarias.
El pasado mes de julio un grupo de turistas que había pagado un tour para ver de cerca la lava del volcán Kilauea en la Isla Grande de Hawaii se vio sorprendida por un súbita bala ardiente de lava que perforó el techo de la embarcación, causando heridas de consideración a 23 personas, quienes jamás pensaron que un paseo organizado por la mayor empresa de turismo, Lava Ocean, fuera a terminar en tragedia. En este caso y por los mismo motivos, para fortuna nuestra, terminó en esta extraordinaria exposición.
- (Roland Barthes. Mitologías. Siglo XXI Editores. Pág. 83).
RAMÓN COTE BARAIBAR
Cancha
Pastel sobre carton
30×50 cm
2018
Cráteres de noche
Pastel sobre papel
48×68 cm
2018
Nieve en la cima
Pastel sobre papel
48×68 cm
2018
Todo está en orden
Pastel sobre papel
48×68 cm
2018
Placas
Pastel sobre papel
48×68 cm
2018
Dos amantes
Óleo sobre lienzo
110×135 cm
2018.
Tiempo Estimado
María José Chica
Julio 7 a Agosto 4 de 2018
Todos los días suena el despertador a la misma hora. Su fastidioso timbre incesante diluye las escenas más emocionantes e inverosímiles de los sueños. Nos obliga a abrir los ojos, levantarnos, alistarnos, bañarnos, peinarnos, vestirnos y desayunar según la rutina interiorizada, obligada y repetida. Vemos el reloj antes de salir de casa para asegurarnos de tomar el transporte a tiempo y no llegar tarde. Seremos un engranaje de la máquina de producción: seguiremos procesos que otros imponen, atenderemos las normas, verificaremos información; llenaremos formatos de casillas fijas con contenidos inalterables, con números determinantes, con correspondencias y secuencias lógicas. Los cronogramas y calendarios serán planeados segundo a segundo, y deberán llevarse a cabo, sin riesgo a desfases. Deberemos cumplir. Todo estará en orden, cada cosa en su lugar. A nuestra disposición habrá espacios regulados, sistemas efectivos, interfaces preconcebidas para cerciorar los fines, mobiliarios estables y arquitecturas seguras y funcionales.
Detrás de nuestra espalda acechará el temible e irremediable tiempo —Cronos—que viene siempre muy cerca, intimidante. María José sabe que lo puede esquivar. A cierta hora del día, de un día como todos los días, María José detiene la marcha y da un paso al lado. La avalancha del tiempo le pasa rozando, frente a sus ojos. Ella ve pasar el caudal del tiempo arrastrando consigo los órdenes, las disposiciones, los regímenes y obligaciones. Ella ve la procesión de estanterías y escritorios, cajas y cajones, esquinas y enrejados, tablas y formatos. Pero desde su lugar puede transformar a su antojo los colores y anular la correspondencia lógica de las cosas, su existencia en sistemas racionales de relación uno a uno; puede vincular las cosas transversalmente y englobarlas en amalgamas de mancha, tono, saturación y clima.
“La pintura es, en primer lugar, una afirmación de lo visible que nos rodea y que está continuamente apareciendo y desapareciendo. Posiblemente, sin la desaparición no existiría el impulso de pintar, pues entonces lo visible poseería la seguridad (la permanencia) que la pintura lucha por encontrar.”
(John Berger. Algunos pasos hacia una pequeña teoría de lo visible. Madrid: Ed. Ardora, 2009).
Desde hace cinco años esta es la pintura de María José: la evidencia de la rutina mostrando sus dos caras de manera simultánea —la visible y la invisible. Los ángulos rectos de muebles y espacios que conviven con objetos en uso, necesarios e innecesarios, que escapan el rigor del orden (The Things); las plantas que sus vecinos cuidan —como ella también lo hace— y crecen a su aleatorio antojo buscando la luz y el aire húmedo junto a rejas y ventanas (Empatía anónima). Los diagramas, aún en su tediosa expectativa de perfección, también pueden ser algo torcidos, algo sucios, algo inútiles (Días laborales). Priman las estructuras de lo visible, pero no son su elemental representación, que podría fácilmente sostener en una rutina institucionalizada. Se revela lo que puede estar fuera del orden: una huella de gato sobre la tela, un inesperado color lila, un grumo o un chorreado, un par de eternas flores amarillas. María José asume los dos tiempos, los dos lugares, los dos estados; puede integrarlos y decirlos en un lenguaje que, ella dice, lo usa “desde siempre”.
Entonces, la pintura no es un pasatiempo que haría parte de la rutina programada. La pintura es un contra-tiempo, un recurso de manifestación del tiempo mítico, aquel que “está situado, a la vez, en el comienzo y fuera del curso de las cosas”; un tiempo en que “loextraordinario era la regla” (Jacques Attali. Historias del tiempo. Madrid: Fondo de Cultura Económica de España, 2001).
Nicolás Gómez Echeverri
Junio, 2018
De la serie “The things” – 2013
Óleo sobre lino
87,5 x 78 cm
De la serie “The things” – 2013
Óleo y acrílico sobre lienzo
100 x 100 cm
De la serie “The things” – 2013
Óleo sobre lino
87,5 x 70 cm
De la serie “Empatía Anónima” – 2014
Óleo sobre lienzo
60×80 cms.
De la serie “Empatía Anónima” – 2014
Óleo sobre lienzo
60×80 cms.
De la serie “Empatía Anónima” – 2014
Óleo sobre lienzo
60×80 cms.
De la serie “Empatía Anónima” – 2014
Óleo sobre lienzo
60 x 60 cms.
De la serie “Empatía Anónima” – 2014
Óleo sobre lienzo
60 x 60 cms.
De la serie “Empatía Anónima” – 2014
Óleo sobre lienzo
60 x 60 cms.
De la serie “Empatía Anónima” – 2014
Óleo sobre lienzo
60 x 60 cms.
De la serie “Empatía Anónima” – 2014
Óleo sobre lienzo
60 x 60 cms.
De la serie “Empatía Anónima” – 2014
Óleo sobre lienzo
60 x 60 cms.
INFLEXIÓN
Juan Rodríguez Varón
2 al 28 de junio de 2018
A lo largo de la historia, el lenguaje que ha rodeado las obras de arte, ya sea anecdótico, histórico o crítico, ha ocupado un espacio. Estos espacios han creado caminos tradicionalmente divergentes para la figuración y la abstracción, basados en factores ligados al poder, la época, los recursos disponibles, el desarrollo técnico, la cultura popular y las expectativas del mercado.
Durante los últimos años, Juan Rodríguez ha desarrollado una gramática pictórica que articula su sensibilidad figurativa con su visión de la abstracción, explorando relaciones que permean ambas vías. Dejando de lado la búsqueda de una identidad estilística inequívoca, y ocupándose por ejercitar una sensibilidad que responda a la experiencia misma de la pintura, a las casualidades y tensiones de la materia, ha desarrollado lenguajes figurativos y abstractos de manera paralela, manteniendo un interés constante por la relación entre la estructura, la materialidad y el espacio.
Esta libertad en el estilo ha sido clave para profundizar en las posibilidades de comunicación de su pintura. Las características crípticas y experimentales de sus monocromos y planos de color, se ven complementadas por la calidez y casualidad que Juan encuentra en los paisajes y bodegones figurativos. Sus piezas celebran las satisfacciones del color y la forma, la fuerza visual y táctil del movimiento, la potencialidad de la experiencia, las variaciones que persiguen una acción, un instante.
Inflexión presenta una serie de pinturas creadas en los últimos dos años que ejemplifican la exploración pictórica del artista, creando un espacio para la convergencia de ambos lenguajes -fuera de los límites estilísticos-, que advierten su interés por repensar el trato del material indistinto de la imagen final. El suelo de la sala, intervenido temporalmente, transforma la atmósfera del lugar, llenándola de luz y haciendo eco a los materiales encontrados que Juan utiliza como soporte de algunas de sus pinturas.
La muestra propone una serie de variaciones entre la forma abstracta y la representación aludida, creando un ritmo experimental que invita a explorar de cerca la tensión material, espacial y cromática de las superficies, permitiéndonos descubrir en las obras la tradición que las precede, a la vez que nos encontramos con el horizonte fresco y vital en el que se desarrolla su pintura.
Laura Zarta
Tres arboles
Óleo sobre lienzo 167×176
2018
Azul con borde blanco
Óleo sobre Tabla 59×52 cms
2017
Blanco sobre naranja
Óleo sobre tela montada en tabla 64,5×64,5 cms
2018
Borde Azul sobre rosado
Óleo sobre lienzo60 x 53 cms
2018
Cruz con bordes rosados
Óleo y esmalte sobre lámina de drywall 54×40 cms
2016-2018
Bordes Verdes para Rosado
Óleo sobre lienzo 25×20 cms
2017
Borrachero sobre Pared
Óleo sobre lienzo 150×120
2018
Naranjas en una canasta
Óleo sobre lienzo 93×130 cms
2018
Círculo
Óleo y carboncillo sobre tabla 22 x 29,5 cms
2016-2017
Dos Círculos (Naranjas Amarillas)
Óleo sobre lienzo 30x40cms
2017
Dos círculos
Acrílico y Carboncillo sobre madera 32,5 x 35 cms
2016-2017
Luz reflejada en frasco de trementina
Óleo sobre lienzo 45×38 cms
2016
Pintura Rosada
Óleo sobre lienzo 55×48 cms
2018
Tallando el vacío
Teresa Sánchez
Abril 28 a Mayo 28 de 2018
El Mangle | Cedro Puerto Asis | 20 x 298 x 10 cm | 2017 – 2018
Pendola vacia I | 2011- 2013 Nogal 258x10x7
Pendola vacia I | 2011- 2013 Nogal 258x10x7
Pendola vacia II | 2011 – 2013 Nogal 294,5x10x9,5
Pendola vacia III | 2011- 2013 Nogal 298x10x9,5
Fotografías: Jorge González
Fotografía: Sergio Trujillo
Estructurar el vacío es el tema que aúna las siete piezas que exhibe Teresa Sánchez en SN, creadas entre 2010 y 2018. A propósito de esta exposición conversé con ella en su taller, y me dijo: “Yo quería hacer una serie de piezas en las que después de definir su volumen, lograra vaciar parte de ellas. Sin preocuparme por el tiempo que tomara su realización, me proponía retirar paulatinamente, con mucho cuidado y utilizando herramientas como los formones, la gubias y también el taladro, trozos de madera con el objeto de privilegiar la estructura, dejando lo esencial para su sostén y utilizando el vacío como parte de la obra”.
Este interés se inició con un trabajo titulado Nubes, que obedeció a dos retos: lograr un dibujo tridimensional que siguiera una línea continua y crear una estructura liviana. La resolución de estos dos temas dio origen a un conjunto de piezas cuya apariencia la remontó a su infancia, a esos largos momentos en los que se dedicaba a mirar las formas cambiantes de las nubes; de esa remembranza surgió el nombre de esta instalación. Y de la liviandad apareció el interés por el vacío.
Mientras Teresa me mostraba las tres Péndolas, el Arco, elInstrumento y Mangle, me explicaba cómo sustraía la madera en cada una de ellas para generar el vacío. Una y otra vez, aludió a su modo de trabajar ahuecando la madera, “quitando lo que sobra”, y también me habló del escultor norteamericano Martin Puryear, como una influencia en el origen de sus trabajos más recientes. Esas palabras suyas, no solo me remitieron a los inicios de su trabajo, sino también a la historia de la escultura.
Mangle, ofrece la posibilidad de hablar de la importancia del dibujo, presente desde sus primeros trabajos. En un comienzo sus “dibujos” de madera, actuaban como relieves, eran completamente geométricos, abstractos y con color; luego se hicieron tridimensionales, más orgánicos, y la madera natural cobró un rol protagónico. En esta pieza compuesta por cuatro segmentos, Teresa aborda un tema similar al de una obra temprana, Manglar (1989), un relieve donde las líneas se entrelazaban. Pero en esta ocasión tenía resolverlo en tres dimensiones, a partir de un dibujo bidimensional que trazó sobre la pieza de madera. Para lograrlo era necesario tallarla con especial cuidado, y así generar el vacío. Era preciso ahuecarla, “cavar”, para poder obtener esas líneas continuas, retorcidas, entremezcladas, como las de los troncos de los manglares naturales. La solución la fue encontrando durante la ejecución, que le impuso retos, para ella, hasta ahora desconocidos.
El término “quitar lo que sobra”, me hizo recordar a Miguel Ángel, quien decía que al enfrentarse al bloque de mármol, él procedía a quitar lo que sobraba. Lo que es evidente en sus esclavos, donde aun convive el bloque con la figura. En uno de sus poemas, el escultor italiano escribió: “Así, oh mujer, como al sacar la imagen/ se pone en piedra dura/ una viva figura/ que crece más cuanto la piedra pierde…” Teresa hace un proceso inverso, talla, quita, no para que surja la forma, sino para que surja el vacío al interior de una pieza de madera.
Un aspecto que también ha caracterizado su trabajo, es el “rigor en el oficio y la excelencia en el manejo de la técnica”. El cuidadoso manejo que le da a las distintas maderas que utiliza, en esta ocasión nogal y cedro, hace que sus piezas sean impecables. Las superficies lisas y pulidas, invitan al tacto.
INSTRUMENTO | Cedro Puerto Asis | 191.5 x 29 x 10 |2010 2012
Las formas son perfectas, minimalistas, esencialistas, hay en ellas, una sobriedad que se complementa con una cuidadosa disposición en el espacio, que siempre me conduce al minimalismo, a las obras de esos artistas de los sesenta y setenta que cambiaron el rumbo de la escultura. Pero a la vez, en su organicidad y en su oficio, son enteramente distintas, opuestas, diría yo. Es más probable que tengan algo en común con la escultura del artista post minimalista, Martin Puryear. Según me contó Teresa, en buena parte, del encuentro con su retrospectiva en el MOMA, procede la búsqueda de una estructura liviana, etérea. Ella como Puryear, se apasiona por el oficio, por ese aspecto artesanal de la obra, sin que el término resulte peyorativo. Ambos comparten una inclinación que oscila entre la abstracción y la figuración. En el caso de Teresa , sus obras frecuentemente remiten a la naturaleza y de allí devienen sus nombres. Un dato interesante es que los títulos los otorga a posteriori, cuando la obra está terminada. Así que es la forma la que remite a un nombre, y es un problema el que da lugar a la forma.
El tema del vacío, también me ha hecho recordar la obra de Michael Heizer, Doble negativo, esa poderosa construcción erigida en el desierto de Nevada, donde la forma negativa, se impone de manera monumental en medio del paisaje. La escala que trabaja Teresa Sánchez es otra, una muy distinta, y seguramente sus preocupaciones son diferentes. Los dos artistas con herramientas y objetivos diversos, tuvieron que ahuecar el material, tallar el vacío.
ARCO | Cedro Puerto Asis | 155 x 17 x 7 | 2010
Fotografía: Sergio Trujillo
Heizer cavó la roca utilizando una poderosa maquinaria, un equipo de trabajadores para resolver un asunto conceptual, tal vez ligado a las experiencias que tuvo con su padre, un importante arqueólogo. Teresa, en su taller soluciona un problema conceptual y formal, con la utilización de sus gubias, sus herramientas, para ahuecar y pulir pacientemente la madera.
Ha sido su empeño en tallar el vacío, la delicadeza y paciencia con la que ejerce su oficio, lo que me ha llevado a pensar en ese trabajo que erigen los artistas de hoy y de siempre, que con sus obras ocupan el espacio que habitamos, con su formas llenas o con sus formas vacías.
Ana Rivera | Boris Restrepo | Carlos Velásquez | Darcy Cabrera | Miguel Cárdenas
Ver publicación sobre la exposición.
Obelisco 2018
Ana Rivera | Boris Restrepo | Carlos Velásquez | Darcy Cabrera |Miguel Cárdenas
22 de marzo al 22 de abril.
Los talladores de piedra se alistaron a darle forma a un enorme bloque de granito . Alguien había medido cuidadosamente los ángulos; todo tenía que ser hecho a la perfección. Un golpe muy duro y la roca podría desportillarse, un ángulo mal medido y la figura sería imperfecta.
La labor duró una eternidad; el trabajo en equipo era una coreografía perfecta: unos cortaban la piedra con cinceles burdos, otros con herramientas mas finas y finalmente pulían la superficie con piedras y agua. Al alzarse, el monumento apuntaba al sol. En tanto caos de arena, polvo y demás desperdicios la figura se imponía sobre todo a su alrededor.
Años después, las excavaciones de los ingenieros que construían las autopistas y el sistema de trenes subterráneos tuvieron que suspenderse por un hallazgo sorpresivo. El taladro hidráulico de proporción descomunal se apagó al descubrir entre los túneles subterráneos varios artefactos de eras pasadas.
El equipo de arqueólogos se aventuró a examinar las piezas antiguas y aunque han ofrecido varias explicaciones para el uso y la forma de los objetos, el asombro se apoderó de todos.
Proyecto para escultura “El Projimo”
Lápiz y tinta sobre papel – 2018
42 x 30 cms.
Proyecto para escultura plegable
Acrílico sobre papel – 2018
20 x 22 cms.
Nuevo Monumento a los Héroes
Tinta sobre papel – 2018
27 x 35 cms.
Ceramica, porcelana, engobe preparado, pigmento en polvo, madera, fotografía digital.
Librería Fat Bottom, 02/12/2016
Cartón pintado. 40 x 40 x 200 cms.
******* Pienso en el obelisco de los egipcios y si tal vez hubieran imaginado que miles de años mas tarde alguien lanzaría un cohete con forma similar al espacio. Las obras de esta muestra tienen un punto de partida en común: obstáculos y barreras en el espacio urbano. Luego cada cual tomó esa idea y la convirtió en algo nuevo. La forma es el punto de partida; monumentos, peatones, rejas, luces, vallas. Al imaginarlas de nuevo transforman el espacio que compartimos.
“DESDE EL JARDÍN”
Margarita Gutiérrez
17 de febrero al 17 de marzo de 2018.
Margarita Gutiérrez es discípula de artistas colombianos como Manuel Hernández, Momo del Villar y Ana Mercedes Hoyos, entre otros. Su investigación parte de preceptos modernos y no contemporáneos. En su trabajo es posible percibir referentes como Piet Mondrian, Jean Arp, Joan Miró y Alexander Calder.
Su temática el jardín y la naturaleza son conceptos postmodernos que surgen de un estilo de vida coherente con su generación. Desde su pasión por el jardín hace una exploración de las formas de las plantas, hojas, flores, semillas, etc., que construye como formas geométricas. Margarita es una de las principales exponentes del arte abstracto en Colombia.
La muestra “Desde el jardín” nos transporta a su experiencia de vida en la cual su labor de jardinera y de artista convergen en la concepción de la obra. Su destreza técnica en la pintura, collage y dibujo le permite sublimar esa experiencia en esta serie de obras.
Ver publicación sobre la exposición.
Entrevista de SN maCarena con Margarita Gutiérrez
Enero de 2108
Pintura
De la sierra al mar – 2017
21 Oleos sobre tela – 30 x 30 cada uno.
El círculo y el cuadrado – 2016
5 Óleos sobre tela 21 x 21 cm cada uno.
Collage
Collage 40,5 x 50,5 cm.
Collage 40,5 x 50,5 cm.
Dibujo
Dibujar Per se contiene más de cien dibujos que buscan ilustrar una discusión muy vigente en el arte: ¿es el dibujo un boceto, una herramienta, un medio o una obra terminada?
Para evaluar qué tan relevante es el dibujo como medio, visitamos los talleres de algunos artistas e hicimos una selección de sus trabajos. Para ellos, el dibujo ha sido una constante en su obra a pesar de que cada uno se aproxima a él desde una óptica y técnica diferente. En algunos casos es una obra en si misma, en otros, es una instancia de un proceso.
En esta visita concluimos:
El dibujo sirve al artista para dos propósitos fundamentales: como herramienta para plantear y desarrollar una idea conceptualmente o como oficio para encontrar el medio que mejor asiste a la obra de arte.
El dibujo permite gran libertad; puede ser abstracto, figurativo, geométrico, constructivo, a color o en una sola tinta, con contenido y significado e inclusive puede carecer completamente de él. Lo cierto es que no hay solo una forma de hacer dibujo.
Freda Sargent
¿el dibujo es una obra de arte en si misma o es un boceto?
“a drawing can be both at once .”
Sin título
Pastel graso sobre papel
25 x 35 cms.
2017
Sin título
Pastel graso sobre papel
25 x 35 cms.
2017
Sin título
Pastel graso sobre collage de papel
25 x 35 cms
2017
Sin título
Pastel graso y carboncillo sobre papel
25 x 35 cms.
2017
Sin título
Pastel y carboncillo sobre papel
25 x 35 cms.
2017
Sin título
Pastel graso sobre papel
25 x 35 cms.
2017
Sin título
Pastel graso y carboncillo sobre papel
25 x 35 cms.
2017
Sin título
Pastel graso sobre papel
25 x 35 cms.
2017
Sin título
Pastel graso sobre papel
25 x 35 cms.
2017
Sin título
Pastel graso sobre papel
25 x 35 cms.
2017
Sin título
Pastel y carboncillo sobre papel
28 x 21 cms.
2017
Rosario López
¿el dibujo es una obra de arte en si misma o es un boceto?
“En mi trabajo siempre utilizo el dibujo como una herramienta para llegar a entender una forma. Lo utilizo como ejercicio de depuración y limpieza, alcanzando la abstracción del objeto representado. En ese sentido es un fragmento del proceso de creación. “
Uluru (serie)
Dibujo rasgado sobre papel
19 x 24 cms.
2017
Uluru (serie)
Dibujo rasgado sobre papel
19 x 24 cms.
2017
Uluru (serie)
Dibujo rasgado sobre papel
19 x 24 cms.
2017
Uluru (serie)
Dibujo rasgado sobre papel
19 x 24 cms.
2017
Uluru (serie)
Dibujo rasgado sobre papel
19 x 24 cms.
2017
La tierra importa (serie)
Fieltro
200 x 180 cm
2017
Maria Margarita Jiménez – EME
¿el dibujo es una obra de arte en si misma o es un boceto?
Sin Título
Dibujo 20 x 29 cms.
2017
Sin Título
Dibujo 20 x 29 cms.
2017
Sin Título
Dibujo 22 x 30 cms.
2017
Sin Título
Dibujo 22 x 30 cms.
2017
Sin Título
Dibujo 29 x 20 cms.
2017
Sin Título
Dibujo 29 x 20 cms.
2017
Sin Título
Dibujo 30 x 22 cms.
2017
Sin Título
Dibujo 29 x 20 cms.
2017
Mariana Varela
¿el dibujo es una obra de arte en si misma o es un boceto?
” El dibujo en artes visuales es un medio independiente como cualquier otro, pero en otros momentos históricos, fue el fundamental apoyo para los pintores o los escultores. Actualmente, también hace parte del proceso creativo para muchos artistas que trabajan en otros medios. Casi siempre se necesita de un boceto.”
La fe mueve montañas
Acuarela
22 x 30,3 cms.
2011
La fe mueve montañas
Acuarela
22,8 x 29,8 cms.
2011
La fe mueve montañas
Acuarela
22 x 30,3 cms.
2011
La fe mueve montañas
Acuarela
22,8 x 29,8 cms.
2011
Aguas mansas
Acuarela
22,8 x 29,8 cms.
2011
Lumbre
Carboncillo
30,5 x 39 cms
2017
Un instante
Acuarela
37 x 55,2 cms.
2012
Aguas mansas
Acuarela
29,8 x 22,8 cms.
2011
Nicolás Gómez
¿el dibujo es una obra de arte en si misma o es un boceto?
” Puede ser ambos o puede ser ninguno.”
Entre la vida y la muerte (serie Highway)
Lápiz de color / papel
29,5 x 29,5 cms.
2014
Atmósfera
Mixta sobre papel
13,5 x 25,5 cms.
2013
Sin título
Lápiz graso sobre papel
18 x 25,5 cms.
2012
Follaje
Mixta sobre papel
15 x 15 cms.
2013
Vecino
Mixta sobre papel
16,5 X 20,5 cms.
2011
Sin título
Lápiz graso / papel
18 x 25 cms.
2012
Sin título
Lápiz graso sobre papel
17,5 x 25 cms.
2012
Sin título
Lápiz graso sobre papel
16 X 30 cms.
2013
Laderas
Mixta sobre papel
28 x 20,5 cms.
2012
Allá
Mixta sobre papel
33 x 24,5 cms.
2014
Miguel Böhmer
¿el dibujo es una obra de arte en si misma o es un boceto?
“El dibujo es un medio para realizar un boceto o una obra de arte. Es la manera como se presenta un boceto (sublimándolo) que pasa a ser una obra de arte.”
Estudio animal/vegetal
Gráfito sobre papel seda
32 x 26cms.
2017
Lucas Ospina
¿el dibujo es una obra de arte en si misma o es un boceto?
“El juicio pandémico que dictamina “la muerte del arte” o “la muerte de la pintura” no parece haberse extendido al dibujo. Sobre “la muerte del dibujo” nadie se ha pronunciado, por el contrario, se lo exalta, una y otra vez, con gran efusividad. La frase “Colombia, país de dibujantes” es recurrente y pareciera que a cada generación de artistas, educadores, críticos, curadores, y galerístas, nos es dado, por gracia de un olvido histórico, un instante de epifanía bajo el concepto del dibujo; y luego, deslumbrados por el descubrimiento, procedemos a dar forma a tan reveladora experiencia en exposiciones, textos críticos —y panegíricos— y programas de docencia y de comercio, en los que solamente parece importar que las cosas se asocien a las bondades de un medio: ¡el dibujo!
El dibujo permite que algunos artistas consideren dibujar como un acto similar al de firmar, es decir, como algo propio; de esta manera recuperan para ellos cierta noción de autoría sobre sus obras y con gran estilo pueden sobreponerse a esa frase lapidaria de la “muerte del autor” que tanto crítico apocalíptico y anticapitalista (y hasta capaz de dibujar) ha profetizado. En esto arte y ley coinciden pues ambos ven en la firma, o en el dibujo a mano que hace una persona, un acto diáfano, confiable y verdadero; sin embargo, así como en la notarias la desconfianza obliga a tomar prenda de las huellas dactilares, es igualmente factible que la crítica de arte vea el dibujo con sospecha. Este ejercicio de la duda parece tener poca incidencia en las universidades o en el comercio; ambos espacios coinciden en proclamar a los cuatro vientos las maravillas del dibujo. En las universidades el dibujo es una de las materias que le permite a los profesores congraciarse con el pasado de la academia y a la vez sentirse actualizados: hablar del “campo extendido del dibujo” o “de dibujar con el lado derecho del cerebro” es un cánon compatible a los ejercicios heredados de las Escuelas de Bellas Artes —como lo son dibujar bloques geométricos, perspectivas o figura humana— y de un tiempo para acá, dibujar con puntillas, alambres, sangre o semen, y dibujar sueños, porno, violencia o éter son también instrucciones cotidianas. Por los lados del comercio, el dibujo le permite al galerista congeniarse con ese comprador quisquilloso que todavía muestra cierto apego hacia lo clásico e inseguridad hacia lo nuevo. Usando el artilugio del dibujo como un arte de tradición, la mercadotecnia del arte podrá venderle al coleccionista en ciernes, por ejemplo, un metro de trenza de pelo y también, por supuesto, una explicación; luego, el comprador (un hombre de gusto —tal vez un expresidente—), podrá colgar la obra de arte en su casa y sustentar su adquisición dando a sus amigos una breve pero descrestante explicación: “esto también es dibujo”
Tomado de:”La muerte del dibujo“
Reuniones
Tinta sobre papel
119 x 88 cms.
2003 – 2017
Margarita Gutierrez
¿el dibujo es una obra de arte en si misma o es un boceto?
“Para mi el dibujo es una obra de arte en si misma.”
Caracol escalera
Lápiz de color
21.6 x 27.9 cm
2017
Caracol moderno
Lápiz de color
21.6 x 27.9 cm
2017
Concha y geometría
Lápiz de color
21.6 x 27.9 cm
2017
Caracoles pareja
Lápiz de color
21.6 x 27.9 cm
2017
Caracol resorte
Lápiz de color
21.6 x 27.9 cm
2017
Caracoles bandera
Lápiz de color
21.6 x 27.9 cm
2017
Concha dormida
Lápiz de color
21.6 x 27.9 cm
2017
Caracol mascara
Lápiz de color
21.6 x 27.9 cm
2017
Caracol flor
Lápiz de color
21.6 x 27.9 cm
2017
Caracol solitario
Lápiz de color
21.6 x 27.9 cm
2017
Luis Cantillo
¿el dibujo es una obra de arte en si misma o es un boceto?
“El dibujo es abierto y lo abarca todo, puede se una obra en sí misma, parte de un proceso o un boceto. Un dibujo no sólo puede contener las ideas de una persona sino además el universo de una civilización.”
De la serie “plataformas petrolíferas” (UK)
Dibujo/animación digital HD
Duración: loop
2006
Edición: 5 + PA
De la serie “plataformas petrolíferas” (Unknown1)
Técnica: Dibujo/animación digital HD
Duración: loop
2006
Edición: 5 + PA
De la serie “plataformas petrolíferas” (Mar)
Técnica: Dibujo/animación digital HD
Duración: loop
2006
Edición: 5 + PA
De la serie “plataformas petrolíferas” (Brunei)
Técnica: Dibujo/animación digital HD
Duración: loop
2006
Edición: 5 + PA
De la serie “plataformas petrolíferas” (Burning)
Técnica: Dibujo/animación digital HD
Duración: loop
2006
Edición: 5 + PA
De la serie “plataformas petrolíferas” (Alabama)
Técnica: Dibujo/animación digital HD
Duración: loop
2006
Edición: 5 + PA
Juan Mejia
¿el dibujo es una obra de arte en si misma o es un boceto?
“Ambas cosas.”
Micos
Lápiz y tinta sobre papel
32 x 38 cm
Micos
Lápiz y tinta sobre papel
32 x 38 cm
Micos
Lápiz y tinta sobre papel
32 x 38 cm
Micos
Lápiz y tinta sobre papel
32 x 38 cm
Micos
Lápiz y tinta sobre papel
38 x 32 cm
Micos
Lápiz y tinta sobre papel
38 x 32 cm
Micos
Lápiz y tinta sobre papel
38 x 32 cm
Micos
Lápiz y tinta sobre papel
38 x 32 cm
Giovanni Vargas
¿el dibujo es una obra de arte en si misma o es un boceto?
“Los dibujos que realizo son piezas en sí mismas, proyectos que dan cuenta sobre pensamientos, ideas o temas que me han inquietado y rondado en diferentes momentos de mis investigaciones.”
Sin título
Grafito sobre papel
42 x 59,4 cms.
2015
Sin título
Grafito sobre papel
25 x 35 cms.
2015
Sin título
Grafito sobre papel
25 x 35 cms.
2015
Sin título
Grafito sobre papel
29,7 x 42 cms.
2015
Sin título
Grafito sobre papel
29,7 x 42 cms.
2015
Sin título
Grafito sobre papel
29,7 x 42 cms.
2015
Sin título
Grafito sobre papel
25 x 35 cms.
2015
Sin título
Grafito sobre papel
25 x 35 cms.
2015
Sin título
Grafito sobre papel
42 x 59,4 cms.
2015
Sin título
Grafito sobre papel
42 x 59,4 cms.
2015
Gustavo Niño
¿el dibujo es una obra de arte en si misma o es un boceto?
“Para mi es algo en sí mismo, pues casi nunca hago preparativos para las pinturas o las esculturas. Si necesito dar a entender una idea, por lo general una maqueta es más útil que un dibujo. Por otra parte la idea de boceto es extraña, pues da a entender que hay un estado en la creación, cuyos resultados físicos (un boceto) son de menor relevancia, cuando en realidad lo de menor relevancia durante la creación, es la pieza final. Es decir, que si bien es obvio que el acto de crear, tiene como objetivo esa pieza, creo que lo mas interesante para el artista, son los procesos que lleva a cabo física y mentalmente para definir una “obra de arte en sí misma”
Sin Título
Tecnica mixta sobre papel
20,5 x 15 cms.
2016
Sin Título
Tecnica mixta sobre papel
20,5 x 15 cms.
2016
Sin Título
Tecnica mixta sobre papel
20,5 x 15 cms.
2016
Sin Título
Tecnica mixta sobre papel
20,5 x 15 cms.
2016
Sin Título
Tecnica mixta sobre papel
20,5 x 15 cms.
2016
Sin Título
Tecnica mixta sobre papel
20,5 x 15 cms.
2016
Sin Título
Tecnica mixta sobre papel
20,5 x 15 cms.
2016
Sin Título
Tecnica mixta sobre papel
20,5 x 15 cms.
2016
Sin Título
Tecnica mixta sobre papel
20,5 x 15 cms.
2016
Sin Título
Tecnica mixta sobre papel
20,5 x 15 cms.
2016
Ernesto Soto
¿el dibujo es una obra de arte en si misma o es un boceto?
“Puede ser cualquiera. Hay bocetos desprevenidos que se convierten en el primer paso para el proceso plástico de una obra. Lo que es exclusivo del bocetos es que tiene un título descriptivo -normalmente de una idea suelta y desinteresada-.”
Por allá, en la puta mierda
Lápiz sobre papel
20 x 12,8 cm
2016
Pinos en perspectiva como Clyfford Still
Lápiz sobre papel
13 x 20,8 cms
2017
Zonas de pinos
Lápiz sobre papel
13 x 20,8 cm
2017
Pinos separados en un dia soledo
Lápiz sobre papel
13 x 20,8 cms.
2017
El Jefe
(notas sobre buenas pinturas modernas en el reverso)
Lápiz sobre papel
13 x 20,8 cms.
2013
La tinga
Lápiz sobre papel
13,9 x 8,4 cms.
2016
Los cactus (il cacti) en la loma.
Lápiz sobre papel
13.5 x 8.9 cms.
2016
Montaña amarilla
Pastel sobre papel
29,7 x 42 cm.
2017
Catalina Ortíz
¿el dibujo es una obra de arte en si misma o es un boceto?
“La historia del arte empezó con dibujos…El Arte Rupestre era dibujo. A lo largo y ancho de la historia el dibujo conservo un lugar prioritario; pero durante largos periodos fue un recurso estructural, la herramienta mas importante a partir de la cual se articulaba la pintura o la escultura. Luego todo cambio!!! Ya todos sabemos que a partir de la mitad del siglo XX fue el “Big-Bang” de la Estética. Todas las formas de expresión aparecieron en escena. No vale la pena que me extienda narrando lo que ya conocemos; pero esa explosión de formas y contenidos derivo en una nueva envestidura para el dibujo. El dibujo fue incorporando elementos visuales presentes en la fotografía, el cine, el video, las artes graficas y tipográficas; las técnicas digitales y los nuevos métodos de impresión…Incluso la transformación del papel en un elemento mas versátil y menos perenne ha contribuido a ampliar las posibilidades para el dibujo. El dibujo ha sido en si mismo un medio de expresión muy consistente y solo tuvo que esperar su momento en la historia; un momento en el que confluyeran varios factores que determinarían el rumbo del dibujo. En este momento el dibujo tiene una posición diferente y no esta subordinado a ninguna otra forma de expresión plástica; es mas, el dibujo se ha enriquecido gracias a la pluralidad de todos esos medios de expresión y soportes.”
Loro Callado
47,5 x 44 cms.
Dibujo ensamblado a partir de recortes de papel
2017
Loro Posterior
47,5 x 44 cmS.
Dibujo ensamblado a partir de recortes de papel
2017
El Tiempo
Dibujo y ensamblaje
37,5 x 36 cms.
2017
Los Clasificados
Dibujo y ensamblaje
37,5 x 36 cms.
2017
180º
Dibujo y ensamble
21 x 18,5 cms.
2017
360º
Dibujo y ensamble.
21 x 18,5 cms.
2017
Lifestyle
Dibujo y ensamblaje
49,5 x 40 cms.
2017
Standstill
Dibujo y ensamblaje
49,5 x 40 cms.
2017
Offside
Dibujo y ensamblaje
54,5 x 39 cms.
2017
On
Dibujo y ensamblaje
54,5 x 39 cms.
2017
EL MUNDO DE LOS SIGNOS
HIRAKU SATO
Junio 14 a Julio 30 de 2017
太陽
Sun
Tinta china marca estrella roja sobre papel Xuan “Tansen”
68x 68cm.
2017
命
Life
Tinta china marca estrella roja sobre papel Xuan “Tansen”
60x49cm.
2017
Montaña 山 Mountain
Tinta china marca estrella roja sobre papel Xuan “Tansen”
69×69cm.
2015
Aire 気 Air
Tinta china marca estrella roja sobre papel Xuan “Tansen”
69×69cm.
2015
Sea redondo y redondea mas mi corazón.
「まんまるとまるめまるめよ わが心 まんまるまるくまるくまんま る」 木喰行道
Tinta china marca estrella roja sobre papel Xuan “Tansen”
69×69cm.
2015
衆 People
Ink silver panel
15.5×15.5cm.
2016
罪
indiscretion
Ink silver panel
15.5×15.5cm.
2014
罰
Penalty
Ink silver panel
15.5×15.5cm.
2016
LÁUDANO
AURORA LARIO
Abril 27 a Mayo 28 de 2017
“Estos dibujos forman parte de mi trabajo más reciente, en el que retomo mi interés por el cuerpo humano como envoltura y colección de piezas, utilizándolo de nuevo como un lugar de comunicación. Cuerpos que están suspendidos, flotando, en un estado de ingravidez y liviandad.
El laudano hace referencia a este estado somnífero, estado en el que se muestra la debilidad humana ante la tentación y el pecado ”
Ludwig Wittgenstein.¨
Aurora Lario.
Laudano I
2016 – 2017
técnica mixta sobre lienzo
200 x 100 cm.
Laudano II
2016 – 2017
técnica mixta sobre lienzo
200 x 100 cm.
Laudano III
2016 – 2017
técnica mixta sobre lienzo
200 x 100 cm.
Laudano IV
2016 – 2017
técnica mixta sobre lienzo
200 x 100 cm.
Laudano V
2016 – 2017
técnica mixta sobre lienzo
200 x 100 cm.
Laudano VI
2016 – 2017
técnica mixta sobre lienzo
200 x 100 cm.
Laudano VII
2016 – 2017
técnica mixta sobre lienzo
200 x 100 cm.
Laudano VIII
2016 – 2017
técnica mixta sobre lienzo
200 x 100 cm.
UN LUGAR EXTRAÑO
ROSARIO LOPEZ
Marzo 23 a Abril 22 de 2017
Para configurar Un lugar extraño Rosario López realizó una libre disposición de piezas que provienen de diferentes estadios de su trabajo, de diferentes tiempos y espacios. La sumatoria de patrones, trapezoides, paralelogramos, líneas, volúmenes, trazos, bordes, moldes, recortes y costuras, arman un entorno de nuevas relaciones y asociaciones. Una exposición, como la tierra misma —mejor, como el universo— se configura capa sobre capa, con vacíos entre una y otra. «¿Qué devendría del vacío del espacio?» —se preguntaba Martin Heidegger (“El arte y el espacio”, 1969).
Nicolás Gómez
(Ver publicación sobre la exposición)
“Una parte de la historia de la humanidad, en general, y de Colombia, en particular, se podría contar a través de la relación del hombre con la tierra, y esto sigue siendo válido aún hoy en día. Somos testigos, con frecuencia virtuales, de grandes conflictos en diversos lugares del mundo, que tienen que ver con los límites geopolíticos y la riqueza que proporciona la tierra. Estas piezas, que nacen como ideas en un país lejano, toman forma a partir de diferentes técnicas que hacen posible su lectura.”
Rosario López
UN CERO Y DOS UNOS
LUCAS OSPINA Y NICOLAS GOMEZ
Octubre 29 a Noviembre 24 de 2016
Esta es una exposición que reúne obras de dos artistas: Lucas Ospina y Nicolás Gómez. Unas son blancas, las otras son negras. Unas son de piso —se miran abajo— otras son de muro —se miran arriba. Unas son inventadas, otras son encontradas. Unas son construidas, otras naturales. Unas son hieráticas, otras son móviles. Unas ascienden y otras descienden. Unas brillan, otras son opacas. Unas son ensambladas, otras son instaladas. Unas son extrovertidas, otras algo tímidas. Unas son pudorosas, otras van directo a la entrepierna. Y resulta que estas obras son esculturas, pero son esculturas pintadas; es decir que son pinturas o esculturas; qué más da.
Dos unos vienen siendo cada uno. Pero hay un cero. El cero no es el punto de partida, tampoco es el de llegada: es el punto en potencia para la partida o la llegada. El cero es aun contingencia y posibilidad de ser, y solo puede ser uno. Ahí están las obras de dos artistas. Unas son blancas, las otras son negras.
Ver comunicado.
PENCIL DRAWING
MIGUEL BÖHMER
Octubre 6 al 27 de 2016
Miguel Böhmer es un artista colombiano radicado en París cuya carrera ha transcurrido entre el arte y la moda. Hoy regresa a Colombia para presentar su obra reciente de dibujos en gran formato de figuras marinas junto elementos de su taller.
Su exposición Pencil Drawing podrá verse en maCa del 6 al 27 de octubre.
La temática de mi trabajo en aquel entonces eran personajes con historias sin principio ni fin sobre lonas sin tensar. El proceso se ha decantado rescatando en el manejo del color, remplazando las aguadas de color por degradaciones del mismo lápiz, conservando el interés por lo figurativo en gran formato
MUREX TORREFACTUS – 2016
315 X 220 cm / Tècnica mixta: Làpiz de color, gràfito y acrìlico
Mi trabajo es una reflexión hacia partes del cuerpo, lo íntimo; colores piel quedan en evidencia sobre el lienzo
OURSIN ECHINOMETRA – 2016
Diàmetro 180 cm / Lápiz de color
Inspiración: incidencia de la luz en la piel
ROYAL GALA – 2016
312 x 213 cms / Lápiz de color
Natalia Castañeda
Jansel Figueroa
Juan Mejía
Lucas Ospina
Freda Sargent
Fernando Uhía
[SN] maCarena agradece a:
Galería Nueveochenta
Galería El Museo
Galería Valenzuela Klenner
Su apoyo, interés y colaboración ha sido importante para dar inicio a este proyecto.